1973 年至 1980 年間就讀杜塞爾多夫藝術學院，起初在藝術家葛哈・利希特（Gerhard Richter）帶領下學習，受其「模糊」繪畫美學的 “照相性繪畫（photopaintings）” 創作概念啟發。隨後，於 1976 年正式將興趣轉向攝影，與安德烈斯・古爾斯基（Andreas Gursky）、托馬斯・魯夫（Thomas Ruff）、坎迪達・霍費爾（Candida Höfer）等人一同跟隨貝歇爾（Becher）夫婦學習「類型學」式的攝影美學概念，Struth 習得針對同一主題進行深度分析和量化系統拍攝，奠定以大型底片相機（large format camera）安排嚴謹構圖，以及透過精確調整光圈和焦距掌握畫面清晰度及細膩階調品質的技術根基。此外，亦學習探討影像所隱含的不可見意義，如能探索建築背後代表的的歷史、功能、經濟等面向。

藝術家亦逐步建立起自我風格。從單純以黑白銀鹽相紙製作小幅攝影作品，自 1980 年代中期 Struth 開始創作長寬至少大於150公分以上的大型尺幅顯色彩印作品（C-print），並為其裝裱。藝評家Michael Fried即將 Struth 的作品歸類為「畫型（tableau form）」攝影，認為這類的作品是「為了牆上展示所設計和製作（designed and produced for the wall）」，這樣的「藝術性（artistic）」創造了攝影作品本身和觀者專注觀看經驗之間的新關係。

Struth 於看似規整的類型學式攝影注入個人直觀的凝視角度，其有意識的選擇投入豐富的攝影母題：從對城市建築的歷史和身份認同追尋、1980 年代起拍攝的著名博物館攝影系列、宗教崇拜場所、家庭肖像，到後期對自然動植物和現代科技技術的探索。他透過獨特的攝影語言引領觀者思索攝影師、被攝者和觀者之間所存在的錯綜複雜「觀看」和「被看」關係；更重要的是，這些作品成功地見證當代人類多樣的文化現象，觀看其作品可以進一步感知個人和社會群體、公共空間（如城市、博物館、人文宗教痕跡）、歷史和當下發展的交集互動，以及讓觀者識別出不同地方人們文化特性的差異，達成「溝通」的攝影期盼。